近年来，演出行业在拉动文化消费、带动地方文旅发展方面取得显著成效。“为一场演出奔赴一座城”成为文旅消费新潮流。旅游景点、商业空间、城市街区探索“演出+”模式，形成新的业态，并实现“破圈”效应，以新模式、新场景带动新消费。据报道，2023年全国演出市场总体经济规模739.94亿元，与2019年同比增长29.30%，达到历史新高。全国各类演出场次44.06万场，涵盖了话剧、音乐剧、舞剧、儿童剧、音乐会、演唱会、相声、脱口秀等在内的主要艺术门类。尽管如此，作为“音乐之王”的歌剧演出占比却非常低，可见歌剧演出市场还有待进一步培育和拓展。
歌剧作为一门综合的艺术形式，融合了音乐、戏剧、舞蹈、视觉艺术等多种元素，是古典音乐的集大成者，经历数百年发展依然保留着其独特的艺术魅力。然而，歌剧在演出市场中的窘境折射出其面临的一系列发展瓶颈和挑战，如受众群体老化、创新及多样性匮乏、数字化与科技化滞后、与现代语境脱节等问题。
党的二十大报告提出，坚持以文塑旅、以旅彰文，推进文化和旅游深度融合发展。报告充分体现了党中央对文化建设和旅游发展的高度重视。
在文旅深度融合的背景下，歌剧艺术能否走出剧院，更多更好地展现在具有新文化审美的公众面前？我认为创新是第一驱动力，让传统文化富有沉浸感，让旅游具有文化获得感。歌剧艺术应顺应时代发展，将形式创新、技术创新、题材创新、运营创新贯穿到文旅深度融合发展中，从而使歌剧艺术焕发出新的生命力，成为一个能够促进文化交流、丰富旅游体验、推动经济发展的多功能文化载体。
形式创新
国内演出市场的消费主力是18至39岁的人群，占比高达70%以上。歌剧等古典音乐面临的首要问题就是受众群体老化。年轻观众对歌剧的兴趣相对较低，难以产生共鸣。此外，歌剧的演出时间通常较长、票价较高，这也对年轻观众的吸引力不足。对传统歌剧形式和内容的创新是解决客群老化问题的重点。
通过全新的视觉设计、现代舞台技术、创新的导演思路等方式，对经典歌剧进行重新演绎可以形成全新的文化体验。例如，将传统的服装和场景改为现代风格，或在表演中融入多媒体技术，使得经典作品焕发新的生机。一些地方尝试将歌剧演出与自然景观、历史古迹相结合，为当地旅游增添新的吸引力。例如，法国阿维尼翁戏剧节将歌剧演出放置在古城堡、露天剧场、河岸公园等地。不仅让观众能够欣赏到精彩的歌剧表演，还能够感受到独特的地理和文化环境，提升了游客的参与感，使歌剧不再局限于传统剧院，而是成为一种与当地文化旅游资源紧密融合的活动。
伴随着《黑神话：悟空》游戏的大热，1986年版西游记主题曲《云宫迅音》火爆出圈，并在互联网上持续发酵，让人重新关注到像许镜清等老一辈艺术家的创作。歌剧同样可以与流行音乐、时尚、游戏等领域合作。例如，将经典歌剧的片段或元素融入现代音乐会，或与当下流行的主题相结合，推出特别策划的歌剧版本，从而吸引流行文化受众群体，打破歌剧这门高雅艺术所带来的局限性。
在此基础上，想要真正为观众创造沉浸式歌剧体验，还必须模糊观众与表演者之间的界限。例如风靡全球的沉浸式戏剧“不眠之夜”，以《麦克白》为戏剧脚本，将观众和演员放置在一个共享空间，观众和演员在场景和道具的使用上享有一种平等性，观众的观演更多是一种自主性探索，极大增强了观众在戏剧作品中的沉浸感。沉浸式歌剧目前在我国仍是空白，但不可否认其发展潜力。一方面，如《卡门》《罗密欧与朱丽叶》《茶花女》《魔笛》《弄臣》这些脍炙人口的作品本身具有丰富的场景和人物、跌宕起伏的故事情节和较高的知名度；另一方面，这些欧洲歌剧作品恰好也契合了我国观众对异域风情和欧洲文化的探索心理。
技术创新
传统歌剧演出对数字化技术和网络传播接受度较低，未能充分利用现代科技手段来扩大歌剧艺术的影响力。美国迈阿密古典音乐节率先做出了成功的尝试，开创性地运用投影映射技术与传统歌剧表演结合。2022年7月16日，在迈阿密古典音乐节创始人兼艺术总监迈克尔·罗西的指挥下，上演了一场震撼视听的《莱茵的黄金》，这是瓦格纳著名歌剧《尼伯龙根指环》中惊心动魄的前奏。此次演出是歌剧表演首次采用360度投影映射技术，即通过投影映射将视频叠加到特定空间的表面上，将建筑立面、道路、临时舞台等变成互动显示屏。每一个表面都可以成为舞台布景，通过图形投影，利用物理表面的形状和纹理，创造出令人愉悦的光影体验。这种创新打破了原有剧场舞台定式，适用于多种室内外场景。特定的影像内容与乐队、演员、观众交互在一起，带来无与伦比的沉浸体验。这种全新的歌剧体验为迈阿密古典音乐节带来如潮好评，也为传统歌剧艺术的重塑和振兴提供了参考范例。
题材创新
传统歌剧故事建构、作品风格、时代背景、语言表达等都有着浓郁的西方文化色彩，对于中国观众难免有些陌生。一方面，歌剧应引入更多的现代题材，反映当下社会的现实问题和人文情感。这不仅能与现代观众的生活经验产生共鸣，也能在内容上实现创新和突破。另一方面，为了让中国观众易于接受，必须在学习西方歌剧艺术优势的同时，充分利用好中国故事素材，充分借鉴好中国戏曲艺术。例如，中国原创歌剧《原野》的音乐风格和作曲技法，体现了中西方艺术文化的融合。该剧在声乐表现中采取了高度西方歌剧化的演唱形式，如咏叹调、宣叙调、重唱等，同时加入了中国传统的古诗词吟诵和京剧韵白等元素，使得该剧不仅在国内屡获大奖，还在欧洲演出中广受好评。
此外，歌剧的民族题材创新更易于与地域文化和本地故事相结合，从而在我国歌剧艺术的发展上体现出中国特色和中国风格。比如以历史典故、红色文化、社会主义建设实践等素材创作的民族歌剧，都可以与各地的文旅项目如特色小镇、旅游景区的演出活动进行结合。比如，历史题材的《楚庄王》《西施》《赵氏孤儿》，革命文化题材的《方志敏》《党的女儿》《同心结》，现实题材的《山村女教师》等。这些歌剧作品反映了人民心声，回应了时代需要，可以使文旅项目的文化体验有依可循，真正做到“以文塑旅”。
运营创新
传统歌剧需要大量的人力和物力投入，包括歌唱家、乐队、演员、舞台设计、服装制作等，因此制作成本很高，再加上传统歌剧院的日常运维等费用，对歌剧的经济可持续性构成了挑战。在缺乏足够的观众支持和商业赞助的情况下，很多传统歌剧院的运营难以为继。因此在文旅融合的背景下，借助文旅资源，让歌剧走出传统舞台不但可以增加歌剧内容的适应性，而且与旅游场景的结合在一定程度上能降低演出运维投入，为歌剧艺术的展示提供更多的可能性。例如，通过将歌剧与其他旅游活动结合，如美食节、艺术节、文化遗产游览等，能够吸引到对歌剧缺乏了解的年轻人和城市游客参与体验，再加上社交媒体、短视频平台的宣传、数字多媒体的展示，持续与观众建立线上和线下互动。
同时，歌剧也可以借助成熟文旅品牌的市场资源进行联合营销，例如每年一届的乌镇戏剧节，以具有文化气息的历史古镇为舞台，以随处可见戏剧表演为内容，吸引了全球戏剧爱好者来此狂欢。此举既提升了戏剧艺术的文化价值，也增加了乌镇品牌的文化内涵。
在歌剧演出之外，还可以组织艺术家见面会、歌剧讲座、工作坊、IP衍生品售卖等活动，给观众提供深度参与和互动的机会。这类活动既能培养观众忠诚度，也能使收入更加多元化。
传统歌剧的运营创新可以拓展观众基础、提高经济收益、提升口碑影响力，使歌剧艺术更好地适应文化消费市场的变化，为观众带来印象深刻的文化体验。
（作者为中央戏剧学院教师）
