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谁能坐此苦，龃龉于其中。
30年风华之金像奖，一路见证了香港电影的辉煌与萧芜。
今日的最佳女主角奖项，慰劳性地送入老影星刘嘉玲怀中，其不温不火的重量，使得这位女主人曾经与张曼玉竞技的野心都显得无力还击。
正待三十而发的谢霆锋，过早过誉地领受了金像的嘉奖。只道发哥勉励来者：“香港电影的后30年，靠你们了。”
金像的无力感，无处不告知着人们，香港电影，老了。
以至于20年前的红星们，今天依然是最具实力与票房号召力的艺人，成龙、周润发、刘德华、梁朝伟。女星刘嘉玲、张曼玉、杨紫琼，也还是那些依照整容技术屹立不倒的前“玉女”，鲜有新人接过前人的权杖。
新生代演员、导演们后续乏力的现象，预示着香港电影创作者的严重青黄不接。加之日益萎缩的票房与高涨的制作成本，促使港片日益沉沦萧落。
而内地在改革开放到来之季，西方电影的开阔、新元素源源不断涌进，被诱惑的一代青年在更为广阔的视野中，相较于曾经记忆里录相厅中的港片，丢失在前所未有的失落和困惑中。
三十年，年华正茂，似乎人们过早地就开始陷入对往昔光辉岁月的回忆当中，而香港电影的出路究竟在哪里？
在合拍片浪潮的推动下，近十年的金像奖获奖名单中，其中也不乏“最佳影片”如《投名状》、《十月围城》等优秀的大制作。港产合拍片甚至占据了内地电影市场半壁江山的势头。
漫步前行的香港电影在探求中行进，历经风雨的香港电影也许正在与内地的合作中，走出低谷，走出风格。未来之路，我们饱含期待。
王晶：
电影只有赚钱才是真的
王晶没有拿过金像奖，但两百多部电影以及累积的十亿票房，无疑使他成为对过去几十年的香港电影最有发言权的导演之一。《精装追女仔》系列、“赌”片系列，和《英雄本色》、《黄飞鸿》一起构筑了香港电影的黄金时代。现如今，黄金时代已成为过去，港片面临“没落”之叹。对此，在接受《京华周刊》记者专访时，王晶说票房、论市场，道出自己独特的观点。
不是每届金像奖都能当“标准”
京华周刊：今年的金像奖最佳电影给了比较冷门的《打擂台》，评论都说这是香港本土情怀回归，为什么会这么说？
王晶：《打擂台》用一种颠覆的手法说一个已经淹没的年代，在创意方面上来说，是比较强的。老实说，《打擂台》在香港的票房也不好。这两三年，香港人想看一些比较靠近香港的电影，但并不是拍香港的景色就卖座的。香港情怀不是景色，是香港人心里的一种感觉。《打擂台》是一种七十年代的情怀，你没有四五十岁，是体会不到这种情怀的。两位导演，也是听说的，而不是经历的。其实那是一种重新想象出来的七十年代的情怀，而不是真正的七十年代的情怀。
京华周刊：这几年金像奖很多大奖都给了比较老牌的演员，比如刘嘉玲，惠英红，是“敬老”、“补偿”，还是新生代不足以撑起台面？
王晶：今年另外几个提名人，表现都不是特别好。何超仪是比较好的一个，可是那部戏太血腥、太三级，所以我觉得也不值得去鼓励。至于杨千嬅，我个人觉得也一般。《志明与春娇》是导演好。
京华周刊：《志明与春娇》是近来少有的在内地口碑很好的港片了。
王晶：可是票房不好啊。观众说它好，但又不掏钱。这就是网上说嘛，院商不认为是这样的。网上的观众都是下载看的，根本不是看的国内上映的版，他们都是看的香港那版。现在太多这种人了嘛，又不掏钱，又要批评。在网上把人家骂得非常不堪，但有时候那些戏并不是真的这么不堪嘛。
京华周刊：您做过金像奖评委，也参加过颁奖，您觉得它本身能成为评价香港电影的一个标准吗？
王晶：我一直都很关注和支持金像奖，做评审差不多隔年就有。不是每一届都能成为标准。金像奖最近十年做的比较好，最初我觉得做得还是一般的，到了十几届，开始好了。最初很少人投票，就是每年200人投票，现在多一些了。
京华周刊：可您自己从来没拿过金像奖。
王晶：没有。没关系的，王晶拿不拿奖，都是王晶。拿一个奖，我还是王晶，不会因为拿一个奖，就加分或者减分。否则观众还会奇怪，哎，你想去拿奖，那你拍的戏可能就不商业了，就糟糕了。我是少有的一个完全没有厚望去拿什么奖的，从来都是无所谓。
京华周刊：这方面是受父亲王天林先生的影响吗？
王晶：也不是。最主要是你得明白这是怎样的一个游戏。在娱乐圈，你的角色是自己挑的。你愿意挑哪个角色，你就用力地去演。我挑了这个角色，我就演好这个角色就好了，其他人也在演他们的角色。
拍“人性”，才会永远有观众
京华周刊：您是最早进内地的香港导演，在电影制作上有没有专门为内地进行改变？
王晶：我没有受到影响，就是在性笑话方面尽量不放而已。其他大部分的导演都很守规矩。不过有很多导演，不是真正明白却以为自己明白了。比方说，《十月围城》。他们以为拍个孙中山的故事，内地人会很吃这一套。虽然他也是令人尊敬的历史人物，可是并不如在台湾、香港重要。我早就说不是同等的，绝对不是同等的。现在很多大制作还赔钱呢！
京华周刊：现在无论是内地还是香港都流行大制作，投资上亿，票房报得也很高。
王晶：这几年这些电影，好像就在比谁制作最大，谁花钱最多谁得最佳电影，我觉得也不是太值得恭维的方向。《投名状》赔钱，《十月围城》也赔钱，《狄仁杰之通天帝国》（简称《狄仁杰》）可能赚一点点。为什么赔？因为他们太贵！现在中国的市场，不应该拍那么贵的电影。这是一种根本不健康的状态，把预算死活往上抬。其实预算高过8000万，风险就很大了。成本高和卖得高，没有必然关系。《战国》成本很高吧……（笑）
京华周刊：那什么样的电影适合现在的内地市场？
王晶：很多片是适合这个市场的，被骂的未必不是好片。我就不喜欢《剑雨》，好在哪里？剧情笨到极点，一个林熙蕾那么美的女孩，会把自己变老，不可能的，不符合人性。怎么会卖钱呢？赔死了。适合市场的，《大内密探零零狗》啊，就赚钱。还有很简单的，卖集体回忆，包括今年的《将爱情进行到底》和《武林外传》。这两部真赚，因为成本都不高。卖得高不高在于能不能打动观众的情怀。
京华周刊：有人说，近两年您在内地的片子，是在重复自己已有的路子，难道不会担心观众觉得：“这个导演没有突破，我想看新东西”？
王晶：突破的另一个说法就是失败，你找一条没有走过的路而已，那条路可能让你掉到泥里去。新东西不是离开人性的东西。只要有人性在，就会永远有观众。新的是包装，是科技，从胶卷到录影带，到VCD，到DVD，到蓝光，到未来的不知道什么。人性是不变的。你会饿，你会累，你会想睡觉，你会想笑，你会爱，你会恨。永远在的是人性，就永远有观众。只要你掌握到人性，观众就一定爱看，而不是突破到你拍两个青蛙，爱上一条鱼，会有人爱看吗？很新吧？
京华周刊：您是怎么把握到这个“人性”的？
王晶：我从来不用文学或电影的角度去拍电影，我是用社会学的角度去拍电影。电影是依赖社会的改变而生存的。如果明天打仗了，还有娱乐片吗？如果现在是个16世纪的神权社会，你能亲嘴吗？所以社会是支持电影的最重要的关系。你必须用社会学的角度去拍电影。我觉得导演不懂社会学，他就当不了好导演。
京华周刊：您曾经说过，很多导演都不懂投资商的角度，投资商的角度到底是什么？
王晶：第一赚钱，第二出名。怎么判断电影赚不赚钱，就是要普罗大众喜欢，而不是高端观众喜欢。高端观众喜欢，他会一个人去看，或者跟一个朋友、一个爱人去看。普罗大众喜欢的话，他会把自己的孩子父母都带去看，那就是一张票、两张票和六张票的分别。这是电影商人才懂的道理，很少导演懂得这个道理。
“黄金时代”的标准就是赚钱
京华周刊：媒体都讲港片的没落，但是其实1995年的时候，就有媒体拿“香港电影已死”做过封面标题，为什么到了今天大家还在谈论这个议题？
王晶：永远都是相对的。一个地区起来了，就显得另一个地方没那么好了。媒体为了吸引眼球，列这种标题，里面真有什么站得住的论据吗？什么东西都有一个循环的。任何行业都会“顺势而趋”。比方说，香港的工业曾经一度火到令所有人致富。好了，香港变成中产了，没有工人了，工业就向北移了。不是说香港工业已死，而是说香港转型了。香港电影以前受台湾的保护主义保护，限制好莱坞的片子，所以香港电影是畸形发展，后来好莱坞进来了，就把市场蚕食了。过去和现在的创作力我觉得都是一样的，现在环境没有那么大力度来支持港片。以前的优势失去了，自然就没那么好了。
京华周刊：但不仅是媒体，很多观众也很伤感，说香港商业片也没有以前好看了。
王晶：大部分人看香港片，都是在录影厅里，或者是看VCD。那时候你们根本就没有看过多少片，刚遇到一种巨大的冲击，就好像一个年轻人，最初遇到性，一个很普通的男孩或女孩，你就觉得不得了了。可是当你经历过很多之后，遇到一个美女或美男，你都觉得也不过如此。你们记得的并不是那部戏有多好，而是刚接触的那种感觉。现在的戏当然比以前的戏好了很多，但你已经见过世面了，这对你来说再不是一个巨大冲击了。
比如《狄仁杰》，花了多少钱去做衣服，你觉得《东方不败》好看极了，其实后面都没钱做衣服了，每个人头上都接个垃圾袋，在后面你看不清楚而已。你现在对比看看，《东方不败》不能看的。就像初恋，那只是一种感觉而已。有很多人说哎哟我的初恋不得了，可是突然有一天同学聚会，看到初恋情人，心想，还好没有娶她。
京华周刊：那么，您认为香港电影的黄金时期是什么时候？
王晶：真正的黄金时期有两段。一段是60年代中期到70年代中期。是武侠片、邵氏和李小龙的年代。然后呢，1986年，《英雄本色》、《倩女幽魂》这一年，一直到1995年，是第二个黄金时期。
京华周刊：黄金时期的证据是什么？
王晶：赚钱，就是赚钱。胡说八道没有用的，只有赚钱才是真的。
京华周刊：所以说，香港电影的核心就是“商业”？
王晶：这是每个香港电影导演都明白的道理。你偶尔去拍一部自己喜欢的文艺片，也得有之前商业片的“攒值”去支持你，人家才会偶尔支持你。就好像每个人都有一张卡，你拍一部商业片卖出去了，里面就有积分。你拍了好几次，你就有这些分去拍艺术片了，这根本就是一张积分卡。
京华周刊：从整体上来说，您觉得香港电影最近十年，到底是在更好，还是更糟糕？
王晶：是大家都迷失了，找不到一条特别认可的路，各走各的，所以不能说好，也不能说坏。现在似乎已经找到一个大家都能理解的路线，我想以后大家迷失的情况会没那么严重。
记忆中的港片，录像厅的味道
口述|韩松落 整理|杜敏
记忆中的香港电影是浓艳的、传奇的、俗透的、画面粗糙的、CAMP的，环境也肮脏杂芜，录像厅为我的“香港电影”、甚至“电影”，规定了最初的形态和色彩，印象最深的是带有CULT色彩的港片。《倩女幽魂》我曾经看过二十遍。
此后多年，一提起“荷尔蒙”，我首先想起的，就是录像厅那种气味。
每逢新出品的香港电影遭遇批评，人们感叹香港电影江河日下，我就设想出一个穿越把戏：把如今的香港电影穿越到八九十年代去放映，把八九十年代拍的香港电影穿越到现在放映，结果如何？
事实上，我在大巴上看到《天若有情》、《英雄本色》，不由万分诧异，剧情难道不是漏洞百出的吗？对白也不乏囧点，怎么当时毫无觉察？
如今我们的眼界更开阔了，资讯更丰富了，而香港电影的价值观和叙事方式的进化速度，已经远远跟不上如今国门大开的观影世界。人更热爱得不到的东西，《志明与春娇》、《维多利亚一号》还有3D《肉蒲团》这种纯港味电影反而得到内地观众的认可。
从数量上，当时可以看到的电影很少，尽管当时国产电影的数量非常惊人，但从内容形式上，当时可供选择的电影类型很少，多数是现实主义、主旋律。八十年代末，出现以国产录像片为载体的CULT片狂潮，但这股潮流很快就被压制下去。相对合法的而且数量庞大类型众多的，还是香港电影。
香港电影的水准其实没有变，没有更好或者更坏，是我们变了。香港电影的进化速度，已经远远跟不上观众的进化了。
现在的金像奖并非是一个小圈子的自娱自乐。目前的电影市场格局就这么大，这个圈子看起来小，却并不是出于它本意，而是像样的电影也就那么些，因为它的现状限制了它的开阔。也正因为香港电影票房萎缩，电影制作成本高涨，影人资源日益老化，等等原因，催生了导演北上。
香港导演能够北上圈钱，说明还未江郎才尽。导演北上，其实扩大了他们的胸怀、见识和电影格局。
现在的内地观众，倒更热衷人性的、智性的表达。小制作导演彭浩翔，充满人生关怀的许鞍华，张婉婷、尔冬升这些导演群体，他们更像是一个公司的技术研究部门，效益或许一时不明显，甚至有可能一直不明显，但他们的存在，却为整个公司提供着智力支持。
中国的电影市场将来将面临更成熟、更商业化的操作，更迅捷的电影技术探索。他们北上，将深刻地影响到华语电影的格局、气质。
